Colonna sonora di Flight of the Conchords

Facciamo compagnia all'amico e collega Erminio Fischetti e parliamo di serie tv, ovviamente dal punto di vista musicale. Ha esordito in questi giorni su MTV Flight of the Conchords, show genialoide e bizzarro con al centro una band musicale, quella che dà il titolo alla serie: la particolarità è che questa band esiste davvero e fa dell'ottima e spassosissima musica.

I Flight of the Conchords sono un duo neozelandese, "il quarto più popolare duo di chitarristi-digi-bongo a cappella-rap-funk-folk comico della Nuova Zelanda", che in America cerca di raggiungere il successo attraverso espedienti più o meno fortunati. Ovviamente le conseguenze comiche di questi espedienti sono irresistibili, venate dell'humour alternativo e indipendente che dagli anni '90 è giunto fino al Saturday Night Live, ma soprattutto il cuore comico e narrativo della serie è nella musica.

Infatti, le canzoni di Bret MacKenzie e Jemaine Clement – i componenti del duo – sono la spina dorsale su cui fondano i racconti e le situazioni buffe della serie e anzi, è sui brani dei loro due album che si struttura la serie: e sono canzoni a tratti folgoranti, folk melodico, chitarre acustiche e voci dolci che si sanno aprire al funk o all'easy listening nero per arrivare a deliranti parentesi elettroniche in cui si citano i Kraftwerk. E che sanno dare alla paradossale forma linguistica dei testi (facendo con più finezza ciò che fanno anche gli italici Latte e i suoi derivati) una forza comica e intellettuale notevole.

Davvero musica da vedere, per usare una vieta sinestesia (vera, visto che non hanno dato l'ok alla terza stagione perché non sarebbero riusciti a scrivere in tempo le canzoni), dove le forme linguistiche della canzone e della tv, unite dal gusto infinito del paradosso, danno forma a una delle rivelazioni della tv americana (HBO) degli ultimi anni.

Colonna sonora di Sharm el Sheikh

L'estate è tempo di vacanze e l'autunno invece segna il ritorno al lavoro, alla fatica, alla routine. Per quale motivo quindi Medusa abbia deciso di fare uscire la sua commedia estiva e vacanziera d'inizio autunno è un mistero, e gli incassi non esaltanti confermo le perplessità. Perfettamente in linea con l'atmosfera vacanziera di Sharm el Sheikh, il film di Ugo Fabrizio Giordani interpretato da Enrico Brignano, è però la colonna sonora di Daniele Falangone, giovane compositore specializzato in commedia.

Qui, l'autore sfrutta tutto il potenziale caratteristico della musica nordafricana e mediorientale per realizzare uno score che mescoli i sapori tipici di una terra e dei suoi clichés con la verve più giocosa e calibrata della commedia farsesca. E col grosso pregio di rinunciare a canzoncini pop precotte e tormentoni di passato successo.

Il tema principale, allegro e accattivante è presente fin dall'inizio, Sharm Whistle, che esplicita proprio la “poetica” della partitura, che poi si lascia completamente prendere dalla (non troppo appassionante) trama e diventa musica di commento quasi trasparente: Uno dei due e i suoi sottotoni, la giovanile malinconia di Giulia e Michele all'alba, la danza del ventre in Belly Dance o la poesia (decisamente non richiesta) del Parto del cammello, fino alla sinergie tipicamente comiche di La gag di Romano e de Pascalis o Lo schiaffo a Saraceni in cui si cita Una vita difficile di Risi. Senza dimenticare la sigla del villaggio vacanze che ha offerto la location del film.

Lavoro industriale senza troppe sbavature, ma anche con pochissime idee e senza troppa convinzione, ma che almeno mostra un'idea di musica da commedia che non sia quella degli effetti o delle strizzate al pubblico che al cinema non va mai. Poi magari sta attaccato al televisore, ma questa è un'altra storia.

Sons of Anarchy - 3x05 - Turning and Turning

Come saprà bene chiunque abbia visto qualche episodio di 24, il sacrificio non solo è un sentimento nobilissimo, ma soprattutto un mezzo emotivo per avvinghiare ed emozionare lo spettatore di cinema e tv. E anche Sutter lo usa, seppure in modo meno esplicito, per il suo show.

Così in questa puntata che getta le fondamenta per un futuro davvero intenso e irto di pericoli di ogni tipo, assistiamo anche a un paio di decisioni sacrificali che scuotono i cuori e rischiano di scuotere – e anche moltissimo – l'impianto della serie. Quali?

Gemma è in ospedale dopo la forte aritmia che l'ha colpita alla notizia che suo nipote è a Belfast e si trova di fronte a un'agente Stahl incazzatissima che vuole fargliela pagare, nel frattempo la faida con Salazar e i suoi si riaccende e rischia complicare ancora di più la situazione, ma la conferma che Abel è a Belfast spinge Lucas a intavolare un pericoloso accordo con Stahl, per permettere alla banda di partire. E speriamo scatenare l'inferno.

Tanta, tantissima carne al fuoco per questo quinto episodio che, pur di transizione (nel senso tecnico, non spregiativo, di portare da un punto A del racconto a un punto B), lo riempie di sfumature, personaggi e intrighi da bastare per 3 episodi di una serie media.

E infatti già il titolo ci fa presagire un sacco di giri, di ribaltamenti di prospettiva: innanzitutto i due più grandi: Gemma, sofferente, ammanettata al letto d'ospedale che viene sempre più umiliata da Stahl (la più grande bitch dai tempi di Alexis di Dynasty), che finge accordi forse inesistenti e la costringe ad ammettere qualcosa che non ha mai fatto, pur di salvare il club; e Jax, che pur di evitare di perdere il secondo genitore in poco tempo accetta di venire a patti con Stahl, offrendogli sul piatto la testa di Jimmy O' e del suo clan, pur di vedere libera la madre.

Se il primo è un sacrificio classico, che mette ancora di più in luce il lato melodrammatico ed emozionale dello show, di uno dei suoi personaggi principali, e dei nodi dell'intera serie, il secondo è quasi un colpo, un sussulto improvviso, che sembra fuori carattere, ma che sottolinea la struttura mobile e fluida della serie, e anche la profonda sostanza emotiva della serie.

Che come ogni serie di livello che si rispetti, è capace di definire i suoi cardini non solo attraverso fatti e situazioni, ma soprattutto attraverso i personaggi, le loro profondità e sfumature, i loro lati e inaspettati, e in questo la sceneggiatura di Dave Erickson e Marco Ramirez, e in generale di questa terza stagione, è praticamente perfetta. Meno la regia di Gwyneth Horder Payton, che pare faticare a seguire il flusso di eventi, ma alla fine se la cava.

Altro episodio sciolto, sicuro e coinvolgente, in cui si sente il volo oceanico ed emotivo che sta per arrivare e che porterà il marchio SAMCRO in Europa: se poi a marchiarlo ci sono le facce dolenti e fiere di Hunnam e Perlman – la sua storyline potrebbe essere straziante come poche – siamo pronti anche noi a dare fuoco a ogni pub che si troveremo di fronte.

Voto: 8

Miss Adèle e l'enigma del faraone

Diciamolo chiaro: è dai tempi del Quinto Elemento che Luc Besson non trova più la verve che ne aveva fatto un cineasta di culto da Le dernier combat passando per Léon. Eroine e film per bambini, per non dire dei tentativi metafisici di Angel-a, non ne hanno risollevato le sorti e allora tanto vale accontentarsi di quello che ci può ancora offrire. Come nel suo ultimo film, tratto dalla serie di fumetti di Jacques Tardi, in cui l'avventura e la fascinazione dell'immaginario lascia spazio al bizzarro umorismo.

Protagonista d'inizio secolo è Adèle Blanc-Sec, giornalista e avventuriera alla ricerca del segreto per ridare la vita alla sorella. Le potrebbe essere d'aiuto il prof.Ménard, se non fosse che le sue ricerche stanno facendo invadere Parigi di mummie, fossili, dinosauri. Sgangherato e pasticciato, ma genuinamente divertente exploit di Luc Besson nel fumetto, un Indiana Jones fumettistico e buffonesco, scritto da Besson, in cui il regista mescola impunemente avventura, commedia e fantasy per un pubblico infantile o per adulti dalla fertile capacità regressiva.

E' infatti la dimensione caricaturale del film a segnarlo fin dall'inizio e a darne il paasso di un baraccone circense in cui gli effetti speciali si congiungono alle tracce melodrammatiche e si scontrano con attimi di comicità delirante (se non greve) che devono il loro ritmo al personaggio centrale di Adèle, donna sbrigativa, indolente, sprezzante, sexy (Besson non rinuncia a inquadrarla nuda nonostante il target), del tutto aliena – e per questo più intrigante – al contesto storico.

La sceneggiatura evidentemente va a casaccio, cucendo pezzi di canovaccio a trovate molto divertenti (la ricerca tra le mummie), mettendo insieme i casuali ingranaggi del meccanismo con un ritmo raffazzonato ma anche con una certa fantasia narrativa. Confusione generale, ma anche trovate buffe e in più, c'è l'occhio del regista nel gestire le giovani protagoniste, nello scegliere visi e corpi accattivanti piegandoli alle esigenze dello schermo. E fa centro anche questa volta con Louise Bourgouin, abile tanto da oscurare persino la presenza di un attore scafato come Mathieu Amalric.

Voto: 6

Une sconfinata giovinezza

Come Woody Allen, anche Pupi Avati ha fatto della regolarità e della prolificità un marchio di fabbrica, e nemmeno un anno dopo il precedente Il figlio più piccolo torna in sala col suo 37° film, e sposta lo sguardo dalle deviazioni della società capitalistica al rapporto di coppia e alla malattia. Con risultati dignitosi e anche emozionanti.

Lino è un apprezzato giornalista sportivo, sposato da tanti anni con Chicca, che un giorno comincia a dimenticarsi parole, nomi, fatti. E' il morbo di Alzheimer e l'inizio della prova più difficile per Lino e per il suo amore con Chicca. Un dramma puramente sentimentale in senso lato, una sorta di risposta italiana ad Away from Her con Julie Christie scritta dallo stesso Avati che racconta il lato emotivo di una delle più tremende malattie esistenti.

Il film infatti si concentra sul percorso affettivo al morbo connesso, ritraendo l'evoluzione paradossale del rapporto di coppia dal placido avviarsi all'anzianità fino al ritorno all'infanzia, all giovinezza senza fine, all'età in cui la mente del malato si rifugia: Avati prende Chicca come punto di vista per concentrarsi sulla reazione e sul peso di una scelta d'amore prossima all'ostinazione del sacrificio, e trova un'atmosfera convincente, intensa, in cui le emozioni anche le più cupe e forti non spaventano il regista.

Che però, come gli accade in quasi tutti i suoi ultimi film, cede a un finale patetico e consolatorio che appesantisce la tensione narrativa, come se il gusto del racconto avesse preso la mano ad Avati limitandone l'efficace, come se con l'avanzare degli anni, tenere il passo di un intero film diventasse più difficile: si nota anche nelle difficoltà tecniche della fotografia, nell'inutilità dei flashback. E anche nel modo con cui il direttore d'attori punta esclusivamente sui protagonisti Fabrizio Bentivoglio e una perfetta Francesca Neri dimenticando sfondo e attori secondari, caratteristi e contorni che sono quelli che avrebbero dato un maggiore spessore a un film che conosce le corde da toccare, ma che sul più bello se ne dimentica.

Voto: 6,5

Step Up 3D

Dopo i cartoni animati, i film fantasy, i cine-comics o le produzioni spettacolari, l’insostenibile mania del 3D colpisce anche i film di danza: a farne le spese sono il film Step Up e il regista Jon Chu che, per il terzo episodio delle imprese danzerecce tra hip-hop e street-dance, si affidano a New York City e all’impianto stereografico. Con risultati in un certo senso sorprendenti.

Moose è un ballerino che ha lasciato la danza per iscriversi a ingegneria con la sua migliore amica: ma il richiamo del ballo è troppo forte e l’incontro con Luke e i Pirati lo porterà nello stordente mondo delle sfide a colpi di danza e hip-hop. Un film di arti marziali con il ballo al posto del kung-fu, scritto da Amy Andelson ed Emily Meyer, che supplisce a ogni possibile debolezza con la forza delle sue coreografie e la ricerca visuale. Il vero pregio del film è di mettere da parte il più possibile le tirate patetiche di film simili, con genitori morti, malattie e sogni impossibili che hanno un ruolo marginale, e per di più pretestuoso, per puntare tutto sulle coreografie, le scene di ballo, le trovate scenografiche e visive: Chu fa così un film in un certo senso astratto, in cui gli scontri tra le “gangs di New York” non avvengono a colpi di coltello e bastone ma di salti e acrobazie e la risoluzione finale s’illumina di neon e raggi laser.

La sceneggiatura è praticamente inesistente (come in molti film di arti marziali) e situazioni e dialoghi sembrano pronti per una parodia (dal titolo del film nel film “Figli delle radiolone”), ma ciò che davvero conta è il lavoro di Chu, Adam Shankman (produttore) e un gruppo di cinque coreografi capaci di reinventare spazi e angoli grazie anche a un uso accorto del 3D. E’ un film trascurabile e banale, che però sa ciò che deve fare e sa farlo, arrivando al nocciolo di quello che potrebbe essere un musical contemporaneo e urbano. Con in più l’aggiunta (e il sovrapprezzo) di un buon effetto tridimensionale.

Voto: 6

Innocenti bugie

June sta andando tranquillamente al matrimonio della sorella, quando si trova coinvolta in un incidente aereo e in un intrigo politico-spionistico a quanto pare gestito dal poco affidabile Roy Miller. Ci sarà da fidarsi di questo sedicente ex-agente segreto?

Intrattenimento allo stato puro. E’ forse questa la definizione più efficace per definire Knight and Day (titolo originale, ovviamente più significativo), nuovo film di James Mangold, ottimo professionista reduce da due buoni film come Walk the Line e Quel treno per Yuma. Stavolta il regista newyorchese vira per l’industria pura, per quel “action con divi” che dovrebbe garantire incassi e successo, ma che a quanto pare non ha dato i risultati sperati.

Commedia d’azione più vicina a Due nel mirino di John Badham che alle ambizioni hitchcockiane,

scritta da Patrick O’Neill cercando di stuzzicare in egual misura il pubblico maschile affamato di adrenalina e quello femminile affezionato alla commedia rosa. Una vecchia operazione produttiva (con esempi superbi come Caccia al ladro di sir Alfred o Sciarada di Donen) che dovrebbe ravvivare un filone, mescolando la sfacciata cialtroneria di spionaggi quasi fantascientifici, le scene d’azione ad alto tassa d’improbabilità, l’ironia citazionista e meta-testuale con le care e vecchie schermaglie seduttive dei tempi della screwball comedy. E pur con 117 milioni di dollari di budget, il film riesce solo a metà. Colpa di una narrazione un po’ ingessata che s’interessa solo dell’ironia dell’azione e che non riesce sempre nemmeno in quella (a parte l’ottimo inseguimento finale a Siviglia).

Mangold, rispetto al film precedente, dosa regia e montaggio in maniera più classica, realizzando forse il suo film meno interessante, ma fino a un certo punto funziona. Quando poi la sceneggiatura vuole farci bere la trasformazione del brutto personaggio di Jane allora ci si irrita. Più che altro, il film è per Tom Cruise (a suo agio con i personaggi invasati) la prova generale per Mission: Impossible 4, mentre faticheremo a dimenticarci della bruttezza del doppiaggio di Cameron Diaz, che già in originale non deve essere stata convincente. E rischia di far passare il film dall’entertainment alla stupidità.

Voto: 6